Cathy Coëz

— Cathy, tu sais quoi, je suis très content d'être venu à ce vernissage.
Nous sommes le vendredi 3 avril 09, dans la galerie Patrick Fourtin près du Palais Royal. (9, rue des Bons Enfants – 75001 PARIS). Bel endroit, très lumineux avec 2 grandes vitrines. Très bel endroit parisien que je découvre à cette occasion.
— Je trouve que ça te ressemble !
— Et pourquoi tu dis ça ?
— Je te retrouve complètement dans cet accrochage. C'est toi, c'est ton univers et ta sensibilité.
— Tu m'en dis plus ?
— Ok !
— Je vais te décrire ce que je vois. Partir de là, tout simplement.
Ce que j'ai devant les yeux !
Des figures géométriques, composées de modules de céramiques, simples et monochromes. Accrochés au mur.
Des cibles, des cercles, des rectangles, des carrés. Chaque module de céramique possède un orifice en son centre, ce qui permet de l'accrocher au mur. C'est une base que l'on retrouvera dans tous les modules. Le mur est blanc, neutre.
Un travail distancié, presque "clinique". Rigoureux et sans affect démonstratif. Méthodique, répétitif. On répète méthodiquement un motif sur un tracé géométrique.
La matière des modules est de la céramique blanche, sans grain, sans aspérité, sans couleur, sans variation de couleurs.
L'émail appliqué est régulier et uniforme, on est noir et blanc, sans nuance, sans dégradé. Sans trace de pinceau. Pas de personnalisation du travail du plasticien. On ne voit rien du procéssus d'élaboration. La main, la trace, l'outil, si souvent mise en avant dans la céramique, disparaît derrière le finis de la réalisation.
C'est de l'argile tourné à la main, et non moulé, pour obtenir un module. Une approche fonctionnelle de la matière. La forme est issus du processus d'élaboration "ça tourne donc, c'est rond !"

C'est un travail distancié.
Un module de construction. Circulaire, symétrique, avec des développements plus ou moins marqués en hauteur. allant jusqu'à des anneaux.
Ca ne fait penser à rien de précis, sinon, des bobines en bois, des pièces "industriels… " Des formes typiquement issus d'un tournage. D'un travail de tournage. On est très loin de la production habituelle de bols, vases. Et pourtant, c'est la même logique. C'est une production de céramique tournée à la main, sur un tour classique.
C'est de la terre cuite au four, émaillée.
Et puis en m'approchant de quelques pas, je découvre que chaque élément, accroché à une grille de construction, est différent du module voisin.
Que malgrés l'apparente similitude de l'ensemble, chaque élément a une autonomie réelle. Que chaque élément fonctionne parfaitement par rapport aux autres, et qu'il équilibre l'ensemble.
Cela demande du temps, le temps de découvrir, de s'approcher, le temps de distinguer en quoi chaques modules est bien unique.
Et toujours en m'approchant, que l'impression homogène que l'on a, à distance, disparait complètement dès que l'on s'approche.
C'est particulièrement démonstratif avec les petites pièces ("Porcelain drawing #2 Unglazed/black 9" 10 X 10 X 2,8 cm.). On ressent un bel équilibre de la surface et pourtant chaque module est très différent du voisin, et ce, sur quelques modules. Il y a une maîtrise de l'équilibre assez incroyable !
C'est une modulation de la surface qui créé quelque chose d'étrange.
Il faut trouver la bonne distance, différente, j'imagine, suivant l'observateur. Trouver la juste place. Un peu comme avec les anamorphose, il y a un moment, une distance où "ça bouge"
— Et ça doit plaire aux japonais, non ?
— Je sais pas ! Je ne me suis jamais posé la question.
— J'ai l'impression de voir des traces de pinceaux, dans les dessins à l'encre, suggérant plus ou moins les feuilles de roseaux, et le plus intéressant, c'est que ces feuilles, ces traces modulent l'espace du support. Elles agissent en éléments modulateurs. Cela n'a plus rien de végétal, c'est le temps et l'espace qui sont questionnés.
Le module de la feuille de roseaux travaillé au pinceaux et à l'encre de chine, évoque le mouvement du vent, le temps qui passe. L'espace…
Il y a quelque chose de ça dans ce travail. Quelque chose qui bouge sous nos yeux… ce n'est pas démonstratif, cela demande de l'attention. Il faut attendre que les choses remontent à la surface, que l'œil dicerne les modulations et se laisse entrainer…
Et puis là, ça devient pour ainsi dire magique, on a sous les yeux, quelque chose d'équilibré, de globalement équilibré alors que la structure est composée de dizaine d'éléments très disparates.
On sent la surface bougée, et pourtant c'est terriblement stable. Quand je dis, la surface, ce n'est pas le mur, car le mur, on l'oublie. Un peu comme le papier pour l'encre de Chine. Le tracé, le module acquière son autonomie, indépendemment, du support. Comme si ça se décollait du mur.
Ce que l'on voit c'est un équilibrage.
Cela me rappelle le travail d'une fille qui était en dernière année quand je suis arrivé aux Beaux-arts à Bourges, en 1979.
Elle peignait très lentement, méthodiquement, à l'huile, des lignes de 5 mm d'épaisseur. Les formats des toiles étaient moyens, 50 cm de large, à peu près. J'étais intrigué par le fait qu'elle commence par le bas de sa toile et qu'elle remonte. Qu'elle applique une nouvelle ligne de couleur pour équilibrer l'ensemble. Chaque ligne était bien différente de la précédente et pourtant, chaque nouvelle ligne venait parfaitement équilibrer les lignes inférieures.
Elle passait un grand moment à choisir la nouvelle ligne de couleur, la rectifiait parfois par un glacis coloré… et une fois terminé, le regard était capivé par le contraste diversité/équilibre qui se dégageait de la toile. Cela vibrait tout en étant stable.
— Voilà, c'est ça, en quelques mots, les impressions, très agréables, ressenties durant ce vernissage.
Très agréables aussi parce que j'ai immédiatement ressenti qu'il y avait de la sincérité dans ce travail. Il ne répond pas, comme on le constate trop souvent, au sirènes des effets à la mode. Il te correspond, il est à ton image, et ça, c'est très intéressant. C'est très bon signe.
François Chevret, Paris, France - May 2009 

Multi-talented French artist Cathy Coez's ceramic work focusses on how compositional elements function and questions the medium itself. The clay (earthenware or porcelain) is tirelessly thrown. Hundreds of pieces, all different, are created one after the BLOG and sometimes from one anBLOG, inevitably creating formal families. This ability to take so much wealth from this generous substance fascinates the artist, as much as the variety of forms that we can observe in nature. Visiting the mineralogical section of the Museum für Naturkunde (natural history museum in Berlin) was her most recent moving experience : « I feel kind of hypnotized by the abundance, the constant creation of nature».
Her technique is particularly impressive given that she has only been doing it for two years. « Shapes seem to naturally emerge from between my fingers » says the artist. Her patience in accumulating the number of ceramics necessary to complete her projects, which are usually museum-sized, leaves a strong imprint on even the most well-informed viewer.
Cathy Coez's works are most often organized geometrically : a circle, a disc, an ellipse or a square. They are made out of hundreds of pieces carefully thought out and thrown on a potter's wheel. Hung on walls, they create three-dimensional drawings that the artist calls « Clay drawings ». Conceived through a computer vector drawing program, the overall organization of each work is thorough and methodical, each element placed with millimetric precision. The final shape of the work refuses any pointless references, rather it responds to a research into the aesthetics of purity and simplicity. This is also found in the creative process : « … throwing is drawing the character of a shape in space, setting its nature by concentrating on its volume, its proportions, its profile. » Make no mistake about this, what matters to the artist is that her works are not about sculpture, but about drawing. They are in three dimensions certainly, but always existing on a plane, on a vertical wall, like a painting. The titles are purely technical, for example "Clay drawing #15 Yellow fluoro 230". They simply remind the audience they are drawings. They function without narrative and convey the essential: the material, the chronological order of production, the color and the number of pieces that form the drawing. The diameter and the height of each thrown object is between half a centimeter and thirty centimeters. There is a hole behind each piece which allows the insertion of a nail and the work to be hanged on to a wall. The result? Magnificent universes, spaces of freedom and pleasure.
Each work operates like a system composed of fractions, of thrown fragments, little worlds in themselves. These complete entities, that we may think independent, truly belong to each BLOG like atomic molecules. "Through the concept of a segmented structure, a construction where each constituent is a part and the whole at the same time is made possible." Coez says. This method gives significance to every detail while revealing the complete cohesion of the work.
When we take a closer look at her work we discover a link between the sophisticated nature of the units and the monumental size of the whole, giving life to a sort of macrocosm/microcosm relationship.
It may seem strange, looking at her productivity, but Cathy Coez uses a process of elimination. She explains to us for example her relationship with color:" … in my previous silk-screen printing work I was looking for a very dense palette of colors, the richer the better, curiosity always taking me farther, but today it looks like it's the opposite that matters to me: a purifying monochrome approach. I find it more relevant to create large compositions invading space with as little means as possible, to focus on what can't be ignored, its substance. Passing time may be the cause of this change, making me feel like I need to reach the heart of things". In concrete terms her use of color borrows from classical glazing techniques, but can also be inspired by non-ceramic coloring materials. This gives the artist the opportunity to explore a much wider field of possibilities. It gives a variety of textures: from extremely shiny using glaze, to a matt or satin finish using spray-paint, that by contrast, intensifies the singularity of each work of art. In fact there is no way the artist would take the same path twice.
The devices used by Cathy Coez create a pluralistic reading of each "Clay drawing". The spectator can look frontally, from a distance, as he looks at a painting in its entirety. When he comes closer to it an inevitable metamorphosis happens and the comprehension takes anBLOG turn. Every moving part of a "Clay drawing" mechanism is visible and this exhilarating transparence works wonderfully. The mutation is almost magical.
To fully understand this work you need to take the time for a closer look. The clay is pushed to its boundaries. The figures' variety is endless. Her approach to color provides the artist with a reason for untiringly discovering new techniques and to gather elements without inhibition. Cathy Coez inquisite approach in breaking new grounds will always amaze us. This attitude towards ceramic is unique. Cathy Coez's aspiration is to offer her audience with an ecstatic encounter.
Brussels, Belgium - May 2009